Maniackers Design es un estudio creativo conformado por Masayuki Sato (director de arte), Mami Kobayashi, Junya Yamada y Masashi Kato.
Ellos ofrecen todo tipo de servicios editoriales y de web. También se especializan en diseñar tipografías; aquí pueden ver su galería.
El estudio está localizado en la prefectura de Gunma, en la ciudad de Takasaki, como para que no queden dudas de que hay muchísimo diseño de primer nivel fuera de Tokio.

+info sobre ellos aquí (inglés)

Se llaman Yura Yura Teikoku, algo así como “imperio inestable”, un trío formado en 1989 y liderado por Shintaro Sakamoto (guitarra y voz). Viven en un suburbio al oeste de Tokyo, donde aún continúan ensayando dos veces por semana en un estudio que alquilan desde hace 20 años. Según dicen ellos está tan destartalado que no se lo recomiendan ni a bandas amateur. A pesar de que han tocado en el FUJI ROCK, el mayor evento de bandas en vivo de Japón y han trascendido internacionalmente, la banda no deja que la fama les quite su perfil bajo.

La imagen visual de Yura Yura Teikoku es también manejada por Sakamoto, quien ilustra las tapas de los CDs y maneja todo lo referente a la promoción del grupo. El año pasado la conocida editora Shogakukan publicó su libro titulado SHINTARO SAKAMOTO ARTWORKS 1994-2006.

En una de las ediciones de diciembre de Metropolis, nuestro editor Dan Grunebaum les realizó una entrevista; lean la nota aquí (inglés)

+info en su sitio oficial

El Nirvana del cine no está en California sino en Ome, en el extremo oeste de Tokio. En las calles del pueblo se codean John Wayne con Audrey Hepburn y Charles Chaplin con Toshiro Mifune. Claro que lo hacen desde los carteles de películas, esos anuncios “retro” pintados a mano.

El autor de estos fantásticos pósters es Noboru Kubo, quien de pequeño vivía a una cuadra de un cine y al volver de la escuela quedaba hipnotizado por los descomunales carteles de las estrellas del cine. A los 16 entró como dibujante aprendiz en una agencia de publicidad del pueblo, pero durante seis meses sólo le dejaron limpiar el piso de la oficina. Obstinado, no dejó de bocetar sus ideas en su libreta personal y logró su primera oportunidad cuando negoció pintar carteles para un cine del barrio a cambio de los materiales. Así, a sus 18 años (1959), Kubo pintaba los carteles de tres cines de Ome. Le llovían los encargos del género preferido del artista, las películas “chambara” (cine B de peleas con katana) esas que también le gustan a Tarantino.

En la época del auge del cine japonés (años 50 a 60), directores como Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu o Akira Kurozawa realizaron producciones que trascendieron las fronteras del país, donde las salas sobrepasaban las 7.000. En esos años Kubo pintaba un cartel por día y en temporada alta, le encargaban hasta tres películas semanales. La decadencia comenzó en los 70, donde se redujeron a menos de la mitad con el avance de la televisión. Ome se quedó sin linterna en 1973, cuando se apagó su última sala. Entonces tuvo que cambiar las divas por clientes menos glamorosos como los políticos y los comerciantes del barrio. Su revancha llegó al cabo de veinte años, cuando el festival de arte local lo rescató y de nuevo el cine brilló en su brocha.

A los 66 años, le encargan unas 30 piezas al año y le dedica alrededor de una semana a cada una. Diariamente utiliza carbonilla y pigmentos naturales (doroenogu) de cinco colores básicos (rojo, amarillo, azul, blanco y negro) que pulveriza y mezcla con un fijador natural (nigawa), una sustancia gelatinosa que resulta de hervir huesos de ballena y de otros animales. Por tratarse de una técnica con materiales orgánicos, la mayoría de los carteles de la ciudad de Ome están expuestos al deterioro de los agentes ambientales y aunque sabe que desaparecerán poco a poco, prefiere expresarse en su estilo de colores vibrantes que data de la época Edo (1603-1868).

“Japón moderno sigue siendo creativo”, afirma, “pero es sumamente difícil encontrar gente a la que le interese pintar con materiales rudimentarios y dejar de usar sus computadoras sofisticadas para hacer sus dibujos”. Dice ser un simple profesional que aprendió a pintar “un poquito mejor” que el promedio. “Valoramos las cosas cuando comenzamos a perderlas”, remarca Kubo, a quien le gustaría que la generación digital de diseñadores tome conciencia de ello.

La portada de Metropolis de esta semana fue una ilustración que realicé a partir de una foto del artista y aunque me quedé con ganas de dedicarle más tiempo, creo que las pinceladas de mi mouse logran transmitir algo de su carisma.

Algunos de los 3,000 carteles que ha pintado el maestro se pueden ver tomando el JR de la línea Chuo que sale de Tokio hacia Ome y trasbordando en Tachikawa. En total es 1 hora y 20 minutos. También se despliegan en las páginas de “Japanese Movie Billboards, Retro Art from a Century of Cinema”, un libro editado por DH Publishing Inc.

Desde el 31 de octubre al 4 de noviembre se celebrará en el exclusivo barrio de Aoyama de Tokio “100% Design Tokyo” el megaevento local de diseño de interiores. Este año, además del “Tokyo Designer’s Week” manejado por la Asociación de Diseñadores (DA) ofrece el “Container Exhibition”, una muestra muy original donde los productos son mostrados dentro de contenedores de barco y otras actividades como foros de diseñadores y música en vivo. Hoy por hoy es el evento más respetado de diseño en Japón, visitado por más de 74.000 personas en la edición pasada.
ARGdIs, la muestra de diseñadores argentinos que visitó Japón en abril pasado, también estará en esta edición.
Quienes asistan encontrarán lo último en iluminación, revestimientos, telas, muebles y materiales de construcción, aunque 100% Design no es un invento japonés. Nació en 1995 en Londres, con el afán de elevar el gusto del consumidor y exhibir las innovaciones de los diseñadores. La versión UK se convirtió en imperdible para el negocio del diseño de interiores en todo el mundo.
Reed, la mayor organizadora de eventos del mundo y el gobierno de Tokio aseguran el programa y el apoyo a la prensa.

Cómo llegar
Plano de la exhibición
+info en el sitio oficial (inglés)
Design Association (inglés)

Torajiro encarnaba en un vendedor de baratijas que recorría el país al alma más castiza del tokiota de posguerra. Los jóvenes de 30, que se aburrían cuando sus papás sacaban los dibujitos de Mazinger Z o Candy Candy para poner el video de la última peli de Torasan, ahora visitan su museo. Encontré este cartel pintado a mano -con tipografía que ya no se usa- en una calle de Tokorozawa, Saitama.

Esta popular marca japonesa convocó a los diseñadores top del mundo a estampar sus algodones.
Para Uniqlo, la remera dejó de ser una simple vestimenta. La remera es la expresión de lo que eres, de lo que sientes, de donde has estado o de lo que amas.
El 28 de abril de este año Uniqlo abrió en Harajuku, el barrio tokyota más vanguardista de los jóvenes, su tienda UT (iniciales de Uniqlo T-shirt). Con un concepto futurista, el edificio es puro concreto, acero inoxidable y pantallas digitales. Fue realizado por Kashiwa Sato, su director creativo, él nos incita a entrar en un espacio donde el minimalismo es tal que las cajas registradoras están incrustadas en sus propios mostradores, visualmente espacioso y espacial!, donde las remeras son la única prenda ser observada.

Hacia el centro, las remeras codificadas están emperchadas y dispuestas en largas líneas. Y en las paredes, ellas estan apiladas dentro de tubos de plásticos transparentes y organizadas por displays luminosos indicando sus códigos. Estos tubos contenedores nos recuerdan a los de las pelotas de tenis. Es una forma muy novedosa de packaging.

Con diseños limitados, cada prenda trae consigo una etiqueta con una reseña de sus autores, algunos de ellos son: Terry Richardson, extrovertido fotografo célebre; Nobuyoshi Araki, respetado fotografo japonés, conocido por sus series de fotos Polaroid; Kim Jones, diseñador de ropa, este inglés fue director de arte de revistas Dazed and Confused y New York Times entre otros; Peter Saville, diseñador gráfico, tipógrafo, un referente del diseño inglés; Tomato, estudio gráfico inglés, T26, uno de las casas tipograficas lideres de EEUU; Los Logos, proyecto creado por Die Gestalten Verlag, agencia de diseño berlinesa. Los Logos es una serie de libros de mayor venta en la esfera creativa.

Estas prendas tienen precio único, 1500 yenes (USD 13 aprox.) En Tokyo, cualquiera podria dejar de tener un almuerzo a cambio de una remera de estos grosos del diseño.

+diseños de remeras
+info sobre el proyecto UT (inglés)
+fotos de la tienda aquí.
+diseños de Kashiwa Sato

En las mayores concentraciones urbanas del mundo, las culturas y sus expresiones se han mezclado en un gris uniforme.
El diseñador japonés Kenya Hara piensa en modos de mantener los valores originales y respetarlos, resistiéndose a ser parte del enorme gris.

Para este diseñador, el “blanco” es la respuesta a su trabajo. El color blanco, posee el poder y es la fuente en donde se originan sus ideas. Kenya Hara está en la búsqueda de su blanco original, para hacer uso de toda su fuerza y sobresalir entre el opaco y mezclado gris.

En el marco de la cultura consumista de las postrimerías del siglo 20, el mundo experimentó que la mera búsqueda del lucro y la libertad individual no podía continuar por siempre. Ahora la gente es más conciente porque ha aprendido de sus experiencias pasadas y nuevamente están recobrando fuerza los valores esenciales del diseño. (From A Long Interview with Kenya Hara)

Tanto en el amplio movimiento del mundo, como en la realidad de nuestras vidas cotidianas, la sensibilidad de Kenya Hara lee los signos y los indicios que le plantean el desafío de cada nuevo diseño.
Se ha dicho que el trabajo de los diseñadores debe llevarse a cabo en el marco impuesto por su propia tarea. No obstante, a través de la expansión de sus propios horizontes como diseñador, Kenya Hara ha ampliado los límites de la disciplina. De esta manera, expande los horizontes de lo que puede ser diseñado, y al mismo tiempo, extiende el alcance de sus actividades y sus trabajos como diseñador. (Revista IDEA vol. 306)

EL BLANCO DE SUS INTERIORES, UN VISTAZO A SUS CREACIONES:

Matsuya. Reconocida tienda del barrio Ginza, Tokyo. Se remodeló cambiando su color corporativo de azul a blanco. Se crearon papeles especiales para sus bolsas y embalajes de regalo. Kenya diseñó un cierre gigante ocupando las paredes de la tienda, el cierre se fue “abriendo” de acuerdo al avance de la obra.

Asahi. Desde 1999, Kenya Hara estuvo a cargo de la dirección de arte de “A Book”, revista mensual del diario Asahi. Un único objeto en tapa con un diseño y tipografías simples, “es como estar en un living limpio y sin muebles, un espacio sereno donde el diseño no genera ruido”.

Beijing. Proyecto finalista de las Olimpíadas 2008. Desechó la idea de círculo perfecto por un óvalo, la Tierra y las disciplinas deportivas dentro de ella, basados en pictogramas chinos.

Expo Aichi 2005. Se inspiró en “Honzo Zusetsu”, enciclopedia ilustrada de historia natural con técnica de grabado, creado hace 300 años por el ilustrador y naturalista Takagi Shunkan.
Una propuesta publicitaria que tuvo impacto fue el diseño de una cinta de embalar, la que fue premiada entre los objetos de la exposición.

Mujiryohin. Significa literalmente “producto de calidad sin marca”. Es una reconocida tienda de productos para el hogar y la oficina. Desde el 2002, Kenya Hara divide su trabajo como consultor empresarial y director de arte publicitario.
MUJI, como es popularmente conocido, ofrece productos con un diseño austero, despojando todo lo innecesario para tornarlo inteligente y funcional. Dada la vasta cantidad de ítems, Kenya hizo una gráfica con pictogramas de clasificación. MUJI es internacional, tiene tiendas en Asia, Europa y Estados Unidos, pero la filosofía de esta empresa es 100% japonés. Kenya nos dice que “no es una marca mundial, y por supuesto cuenta con diseñadores de diversos países para expandir la marca, pero su diseño es cuidadosamente orientado en la sensibilidad de los japoneses”.

Sake. Envase de acero inoxidable de la marca Hakkin (oro blanco), es producida en Obusedo, en la prefectura de Nagano, su productor es la americana Sarah Marie Cummings, quien propuso a Kenya en utilizar el acero como material para sus envases; “es como si fuera un espejo, los envases apilados se reflejan y desaparecen entre sí.”

Clínica Umeda. Sistema de señalización a base de tela de algodón. El propósito fue crear una atmósfera cálida y tranquila en esta clínica especializada en la mujer. Se utilizaron telas de algodón por tratarse de un material de costo bajo, lavable hasta 400 veces y durable por unos 10 años.

El autor. Kenya Hara nació en 1958, diseñador gráfico, representante de Nippon Design Center Inc., es profesor en la Universidad de Arte de Musashino.

Cuando viajo al exterior me gusta hablar con la gente, promuevo exhibiciones para mostrar mis trabajos, pero me resisto a ser un cosmopolita.”

Idea Magazine
Editorial Seibundo Shinkosha (sólo en japonés)